El Acantilado Rojo

Título Original: Chi-bi.
Año: 2008.
Dirección: John Woo.
Reparto: Tony Leung, Takeshi Kaneshiro, Zhang Fengyi, Chang Chen, Zhao Wei, Hu Jun, Nakamura Shido, Lin Chi-ling, You Yong.
País: China.
Duración: 280 minutos.
Guión: John Woo, Chen Han, Sheng Heyu, Chen Shou.

En el año 208, durante la Dinastía Han, un militar y un virrey forman una alianza contra un político que sueña con instalarse en el trono de un imperio unido y que para lograrlo, ha incitado al emperador a declarar la guerra, acusándolos de "rebeldes". Con un ejército muy inferior al del invasor, la alianza deberá fiarse de la astucia y de ingeniosas tácticas de guerra para ganar la gran batalla del acantilado rojo.
La película consta de dos partes, cada una de 140 minutos de duración aproximada. Sin embargo circula una versión que llegó a españa y américa latina de 140 minutos, lo cual es muy triste porque cada minuto de la cinta vale la pena. Sin duda que ésta es la película épica más grande rodada en China. Repleta de grandes escenarios y magistrales batallas la cinta no aburre ni cansa en ningún momento a pesar de su duración. Los personajes son una atracción por si mismos: Un político que sólo desea el poder y para lograrlo, convence a un influenciable emperador a declarar la guerra. En el otro bando se encuentra un brillante estratega militar que, consciente de la inferioridad de tropas, decide buscar una alianza con un virrey, que a su vez debe vencer sus miedos y asumir su liderazgo. Esta alianza es sellada por un gobernador y militar, hombre que sigue los códigos de honor impuestos en la guerra y en quien vemos reflejado el amor por una mujer. Finalmente una princesa valiente y audaz que gusta de las armas y que quiere pelear esta batalla codo a codo con los hombres.
La historia gira en torno a la libertad, la valentía y la oposición a la tiranía; pero son las estrategias militares las que hacen más atractiva la historia. La guerra sicológica que se libra entre ambos mandos lleva a poner a prueba antiguos códigos de honor; y el despliegue de los ejércitos es tan monumental que el recreo visual es una delicia.
Pensamos que ninguna escena está de más en esta superproducción, por lo que ante la posibilidad de ver la versión completa no hay que dudar. Quienes disfrutan de grandes producciones épicas se encantarán con esta película, que es mucho más que peleas fantásticas y guerreros voladores, como los que estamos acostumbrados a ver en el cine oriental.

Los Hombres Que No Aman A Las Mujeres

Título Original: Män Som Hatar Kvinnor.
Año: 2009.
Dirección: Niels Arden Oplev.
Reparto: Michael Nyqvist, Noomi Rapace, Lena Endre.
Países: Suecia, Dinamarca, Alemania.
Duración: 144 minutos.
Guión: Rasmus Heisterberg, Nicolaj Arcel, Stieg Larsson.

"Los hombres que no amaban a las mujeres" es una película basada en la novela homónima de Stieg Larsson, primera parte de la Trilogía Millennium. Hace 40 años, durante una reunión familiar, una joven adolescente llamada Harriet Vanger desaparece misteriosamente. La policía nunca encontró indicios de lo que pudo haber sucedido con ella y, si bien nunca se encontró su cuerpo, su tío está convencido de que fue asesinada por alguno de los miembros del clan familiar, que conforman el grupo Vanger. De esta manera su tío contrata a un periodista, Mikael Blomkvist, quien acaba de ser condenado por difamar en una publicación a un poderoso conglomerado económico, y a Lisbeth Salander, una problemática y extraña joven que se gana la vida como hacker informática. Ambos descubren que el secreto de la familia Vanger va más allá de la desaparición de Harriet.
La película tiene el precedente de estar basada en una novela que ha sido superventas. Suele ocurrir que las adaptaciones al cine no siempre satisfacen las expectativas, pero éste caso es la excepción. La película es intensa, lógica y logra mantener un suspenso absoluto, el desenlace en ningún momento es predecible y nos recrea una sociedad enferma, pero real.
Los protagonistas son una gran sorpresa, Michael Nyqvist en el papel de Mikael Blomkvist, un periodista idealista que ha sido engañado y condenado por tratar de sacar a la luz los oscuros negocios de un conglomerado económico. Y por otro lado Noomi Rapace como Lisbeth Salander, una joven adicta a los tatuajes y a los piercing que trabaja para una oficina de investigación, ella se desenvuelve como una hábil hacker informática que en un principio ha sido contratada para investigar a Blomkvist y luego trabaja con él para ayudarlo a encontrar la verdad sobre la desaparición de Harriet. Entre ellos se da una relación que pretende ser amorosa, pero el pasado violento de Lisbeth le impide enamorarse, siendo así una mujer llena de misterios y ajena a las sensibilidades.
La línea de investigación que ellos siguen es genial, manteniendo al espectador atento a cada uno de sus descubrimientos, haciéndonos parte de la historia y deseando llegar a la verdad de lo que realmente sucedió con esta joven desaparecida, revelándonos una sociedad que cada día está más enferma y egoísta; un mundo violento y sádico, pero sin embargo manteniendo la sutileza necesaria para no choquear al espectador.
Señalé en un comentario anterior que Suecia nos ha sorprendido haciendo muy buen cine. Esta cinta no hace más que reafirmar esa observación y el director, Niels Arden Oplev nos ha sorprendido en esta ocasión. Seguiremos atentos esperando su próxima película, y desde ya decir que al ser ésta cinta parte de una trilogía, vendrán una segunda y tercera parte que sin duda esperaremos con ansias.

Delicatessen

Título Original: Delicatessen.
Año: 1991.
Dirección: Jean-Pierre Jeunet, Marc Caro.
Reparto: Dominique Pinon, Pascal Benezech, Marie-Laure Dougnac, Jean-Claude Dreyfus, Karin Viard.
País: Francia.
Duración: 99 minutos.
Guión: Gilles Adrien, Jean-Pierre Jeunet, Marc Caro.

La Historia se ambienta en un edificio de departamentos post-apocalípticos en una ciudad de Francia en una época ambigua. La comida y el trabajo escasean y el grano es usado como moneda. En este edificio se encuentra una carnicería que pertenece a Clapet, quien publica un aviso en el diario ofreciendo trabajo en el edificio, ya que los empleados anteriores han desaparecido "misteriosamente". Tras la "desaparición" del último empleado, el payaso cesante Louison llega a pedir el puesto de trabajo. Conoce a Julie, la hija del carnicero, y se enamoran. Julie conoce el destino que le espera a Louison (quien claramente será asesinado por Clapet para vender su carne a los inquilinos), por lo que decide pedir ayuda a un grupo de personas que viven en los subterráneos, los "Trogloditas", que es un grupo de rebeldes vegetarianos, para que le ayuden a salvar a Louison.
Esta película deslumbró a la crítica europea en su momento, que tenía muchas ganas de ver un cine diferente. Sin duda que la cinta no es para todo tipo de público, ya que posee una estética asfixiante y atemporal y un guión bastante bizarro que incomoda al espectador.
Pero no nos equivoquemos, la película es fantástica y extremadamente novedosa y la fotografía, a cargo de Darius Khondji, nos introduce en una atmósfera que, si bien es real, pareciera ser parte de nuestra imaginación.
Por otra parte Jeunet es capaz de llegar a nuestra sensibilidad como le da la gana, aplicando con maestría la estética visual y el sonido. Sumemos al actor Jean Claude Dreyfus que hace el papel del carnicero, un hombre bueno y despiadado a la vez. Sin duda que el resultado es un historia delirante y caótica que sólo unos pocos serán capaces de apreciar.
Esta cinta es inclasificable, es una mezcla de suspenso y comedia, pero por sobre todo es originalidad. Es una película ampliamente recomendable para quienes gustan de las curiosidades del cine.

El Imaginario Mundo Del Doctor Parnassus

Título Original: The Imaginarium of Doctor Parnassus.

Año: 2009.
Dirección: Terry Gilliam.
Reparto: Christopher Plummer, Heath Ledger, Johnny Depp, Colin Farrell, Jude Law, Tom Waits, Verne Troyer.
Países: Reino Unido, Estados Unidos, Canadá, Francia.
Duración: 123 minutos.
Guión: Terry Gilliam, Charles McKeown.

Un actor inmortal llamado Doctor Parnassus (Christopher Plummer) es dueño de una compañía de teatro que ofrece a su audiencia ir a un mundo fantástico a través de un espejo mágico. En su compañía participan su hija Valentina (Lily Cole), Anton (Andrew Garfield) y un enano llamado Percy (Verne Troyer). Parnassus lograba guiar la imaginación por un trato con el Diablo (Tom Waits), con quien llegó a un acuerdo a cambio de Valentina, y de esta manera adquirió también su inmortalidad. A la compañía se une, bajo extrañas circunstancias, un misterioso hombre llamado Tony (Heath Ledger, Johnny Depp, Jude Law y Colin Farrell), quien le propone a Parnassus rescatar a Valentina del acuerdo con el Diablo.
Dos aspectos respecto a la producción de esta película quiero resaltar. El primero dice relación con el guión; Terry Gilliam escribe el libreto junto a Charles McKeown, siendo su primera colaboración desde "The Adventures of Baron Munchausen" (1988), y esta nueva producción mucho se parece a aquélla gran obra, ambas comparten un relato fantástico y personajes como salidos de un cuento de aventuras.
Lo segundo es respecto a la muerte del actor Heath Ledger y la pausa en el rodaje. Ledger había sido un factor clave para el financiamiento de la película, por lo que tras su muerte se pensó que la película jamás iba a ser terminada; y si bien la producción fue suspendida, se decidió rescatar la película, transformando el personaje de Ledger. Así fue como Johnny Depp, Colin Farrell y Jude Law lo remplazaron, representando cada uno una versión transformada del personaje de Ledger viajando a través de un espejo mágico. Estos actores eran amigos de Ledger, por lo que el director cambió los créditos de la película pasando de "Una película de Terry Gilliam" a "Una película de Heath Ledger y sus amigos". Es por este motivo que vemos esta curiosa mezcla de personajes en la historia.
Heath Ledger está espectacular en la cinta, muy superior a sus amigos Depp, Law y Farrell, aunque esto puede deberse precisamente a que el director tuvo que unir la historia con mucho forcejeo después de la muerte de Ledger, lo que no debió ser una tarea fácil; pero sin duda que Ledger nos ha demostrado que después del Joker quedaba muchísimo actor por delante. En el espectáculo del Doctor Parnassus hay también un enano, que le da toda la tinta cómica a la historia, una bella y audaz actriz adolescente y un joven ilusionista que guarda sus sentimientos. Junto a ellos hay que destacar a Parnassus y al Diablo, quienes convencen en todo momento gracias a los diálogos que entablan, lo que hace muy atractiva la historia.
Por otro lado los elementos fantásticos aparecen en todo momento y son un regalo visual. Describen un mundo irreal pero que está dentro de la imaginación de cada uno de nosotros, no es una fantasía forzada, sino que es una fantasía creíble y novedosa; haciendo que la imaginación forme parte de nuestra propia experiencia.
Sin duda que la debilidad de la cinta se encuentra en la segunda parte, cuando ya no está Ledger y comienzan a aparecer estas versiones del personaje de Tony, pero sin duda que esto no se debe a la baja calidad actoral de los actores remplazantes, sino al quiebre que significa en el rodaje el tener que rearmar la historia trozo a trozo. Claramente la historia habría sido otra si Ledger hubiese terminado la cinta.
Finalmente no nos queda más que disfrutar esta cinta teniendo en cuenta que Gilliam es un director de excesos. Y que es una película realizada por Heath Ledger y sus amigos.

Corazón Rebelde

Título Original: Crazy Heart.

Año: 2009.
Dirección: Scott Cooper.
Reparto: Jeff Bridges, Maggie Gyllenhaal, Colin Farrell, Robert Duvall, Beth Grant, Sarah Jane Morris, Annie Corley, Tom Bower.
País: Estados Unidos.
Duración: 112 minutos.
Guión: Scott Cooper.

Bad Blake (Jeff Bridges) es un cantante country cuya carrera ya no tiene el éxito que tuvo en el pasado y hoy, a sus 57 años, se gana la vida cantando en lugares de poca monta que su representante le consigue; carga con varios matrimonios fracasados y tiene serios problemas con el alcohol. En una gira conoce a Jean (Maggie Gyllenhaal), una periodista interesada en hacerle una entrevista y que vive junto a su pequeño hijo. Una relación muy especial nace entre ellos; sin embargo el alcoholismo se convierte en un problema para la relación. Por otro lado Bad Blake compondrá una canción para Tommy Sweet (Colin Farrell), un exitoso cantante que está en la cima de su carrera y que lo respeta mucho, pero a la vez representa todo lo que Bad ya no volverá a ser, por lo que siente cierta rivalidad con él.
Debemos comenzar señalando que este es el mejor papel que ese coloso de Jeff Bridges ha representado en toda su carrera. Bad Blake es un hombre alcohólico, fumador y mujeriego que ya no quiere nada con la vida y que llega a lo más bajo de su carrera cantando en bares pequeños y bebiendo incluso antes de subir al escenario. Sin embargo conoce a Jean y su vida cambia radicalmente cuando comienza entre ellos una relación. Maggie Gyllenhall está genial en su papel y la armonía que se da entre ellos es algo que se siente durante toda la historia.
Colin Farrell, por otro lado, hace un papel muy secundario con pocas apariciones, pero sin embargo es curioso verlo haciendo este tipo de cine y lo hizo muy bien, representando al discípulo de Bad Blake, a quien admira y respeta, dándole una oportunidad al pedirle que componga una canción para él, canción que termina siendo el resultado de la relación entre Bad y Jean.
Bad a su vez siente mucho afecto por el hijo pequeño de Jean, quizás como una forma de resarcir los errores que cometió con su propio hijo al ser un padre ausente. Sin embargo por su alcoholismo Jean y el niño salen de su vida, provocando un dolor muy profundo en Bad y llevándolo a buscar rehabilitación. Este drama es sin duda el que más nos conmueve, porque en ellos Bad había logrado encontrar algo de estabilidad y tranquilidad para su atormentada vida.
Otro grande del cine es Robert Duvall, quien personifica a Wayne, el dueño de un bar y amigo de Bad, quien lo apoya en su proceso de rehabilitación.
Todo esto da como resultado una magnífica, emotiva y sencilla historia, que Scott Cooper (para quien es su opera prima) logra llevar a la pantalla logrando mantener en todo momento la humanidad y sensibilidad de los personajes. La música es un ingrediente aparte, ya que es simplemente maravillosa, incluso para quienes no son seguidores de la música country. Con todo esto no queda más que sentarse y disfrutar de este maravilloso trabajo.

El Tigre Y La Nieve

Título Original: La Tigre e la Neve.

Año: 2005.
Dirección: Roberto Benigni.
Reparto: Roberto Benigni, Nicoletta Braschi, Jean Reno, Tom Waits, Alex Jennings, Helen McCrory, Roger Allam, Tim McMullan.
País: Italia.
Duración: 114 minutos.
Guión: Roberto Benigni, Vincenzo Cerami.

Attilio (Roberto Benigni) es un poeta y profesor universitario que vive en Roma y que acaba de publicar su más reciente libro de poesía titulado "El Tigre y la Nieve". Está enamorado de Vittoria (Nicoletta Braschi), a la cuál persigue sin cesar y sueña con casarse con ella; pero Vittoria no está interesada en él y le dice que sólo lo querrá cuando vea un tigre caminando por las calles nevadas de Roma (haciendo alusión a su libro). Vittoria está escribiendo un libro para un poeta iraquí llamado Fuad (Jean Reno), por lo que tiene que viajar a Bagdad en plena guerra para terminar el libro; pero durante su visita sufre un grave accidente y Attilio sin dudarlo dos veces emprende un difícil viaje para salvar a Vittoria.
El Tigre y la Nieve es una historia de amor, aunque ésta se desarrolle en medio de una guerra. Sin duda que existe el propósito de hacer una profunda crítica al conflicto bélico, pero no debemos olvidar que la idea central es el amor incondicional y la poesía. En este último aspecto la película es un acierto, aunque no al nivel de "La vida es Bella", sin embargo el romanticismo se encuentra presente a lo largo de toda la película en escenas surrealistas y mágicas. El amor que Attilio siente por Vittoria es tan grande y tan profundo que sentimos admiración, pero a la vez tristeza, ya que ella lo rechaza constantemente; sin embargo Attilio no se rinde y siempre se muestra esperanzado y con una actitud optimista, incluso en los momentos más dramáticos. El optimismo ante lo adverso es el ingrediente que comparte esta cinta con "La vida es Bella", una actitud que Benigni sabe representar con maestría.
La cinta también pretende ser una comedia, pero en este punto está su debilidad, ya que los momentos en que pretende hacernos reír son sólo situaciones absurdas, y la continua presencia de Benigni puede llegar a cansarnos; pero rescatamos su genialidad al lograr contarnos una historia hermosa, pero a la vez dramática y comovedora, un amor incondicional que nos hace pensar en querer entregarnos de esa manera. Y sin duda que el final de la historia es lo que más disfrutamos, lleno de amor y poesía. Como curiosidad podemos señalar que Tom Waits aparece interpretándose a si mismo en el sueño de Attilio, lo que no deja de ser un dato divertido para disfrutar aún más esta cinta.

Desde Mi Cielo

Título Original: The Lovely Bones.

Año: 2009.
Dirección: Peter Jackson.
Reparto: Mark Wahlber, Rachel Weisz, Saoirse Ronan, Stanley Tucci, Susan Sarandon, Michael Imperioli, Rose McIver, Carolyn Dando.
Países: Usa, Reino Unido.
Duración: 136 minutos.
Guión: Peter Jackson, Philippa Boyens, Fran Walsh.

La película está basada en el best seller de Alice Sebold, "The lovely bones" y cuenta la historia de Susie Salmon, una adolescente de 14 años que vive con sus padres y hermanos. Un día Susie es raptada y asesinada por un vecino, entrando en una especie de limbo; un lugar que no es la tierra ni el cielo. Pero Susie aún puede ver a su familia y el drama que viven con su desaparición; y a su asesino, un hombre que aún es capaz de hacer mucho daño.
Saoirse Ronan encarna a una adorable adolescente, Susie; una niña con los problemas típicos de una adolescente; pero cuando ella comienza a conocer el amor, su vida es arrebatada por un hombre que actúa sin escrúpulos. Esto es sin duda lo más dramático de la película y hasta aquí podemos decir que la historia promete, pero luego aparece este mundo surrealista al que llega Susie después de su muerte y la historia comienza a decaer. Peter Jackson nos muestra un paraíso, hermoso sin duda; pero nada original y demasiado artificial, algo que ya hemos visto en otras producciones y que, al ser Peter Jackson el director; podríamos haber aspirado a una mayor creatividad. Quizás si este elemento hubiese quedado más a la imaginación la historia habría funcionado, porque entendemos que no es este mundo mágico el eje central de la película, sino el drama que vive esta adolescente y su familia.
Por otro lado los personajes están mal construídos, desperdiciando de esta manera a Rachel Weisz y a la gran Susan Sarandon; aunque esta última a pesar de su secundario papel, logra quedarse en la retina personificando a una abuela un poco alcohólica y algo loca, pero que de una extraña manera le da algo de estabilidad cotidiana a una familia destrozada por el dolor. Stanley Tucci hace un gran esfuerzo por representar a Harvey, el asesino y sicópata, pero finalmente no logra más que caer en un absurdo ejemplo de cómo caricaturizar a un personaje; algo que es realmente lamentable, porque el personaje pudo haber dado mucho más.
No sabemos qué ocurrió con Peter Jackson en esta producción, es un excelente director y sin duda que el trabajo pudo haber sido mejor, pero desde King Kong que viene con un traspié. Tendremos que seguir esperando para ver un trabajo de él que nos permita verlo no sólo como el director que fue capaz de llevar a cabo un trabajo tan impresionante y valioso como "The lord of de ring", sino también como uno que puede contarnos una historia sencilla y poética, sin necesidad de hacer una costosa superproducción.

La Caja

Título Original: The Box.

Año: 2009.
Dirección: Richard Kelly.
Reparto: Cameron Díaz, James Marsden, Frank Langella.
País: USA.
Duración: 115 minutos.
Guión: Richard Kelly.

Un matrimonio perfecto, que vive una tranquila vida (si no fuera por algunos pequeños problemas económicos), recibe de manos de un desconocido una curiosa caja que tiene un botón. Al presionar el botón dos cosas ocurrirán irremediablemente: la pareja recibirá un millón de dólares, y alguien en algún lugar que ellos desconocen morirá.
Corre el año 1976 y esta pareja recibe este aparato y se enfrenta a un dilema moral: recibir un millón de dólares; pero a la vez ser responsables de la muerte de una persona. Este argumento se basa en el relato "Botton, Botton" de Richard Matheson, un maestro en lo que a ciencia ficción se refiere. La idea es muy buena y la historia también, pero algo sucede en la película que impide que no funcione bien. El problema de "The Box" es precisamente su desarrollo. Elementos sueltos en la historia y algunos pasajes absurdos hacen que sea una historia desajustada y sin sentido. Por otro lado Cameron Díaz y James Marsden resultan bastante débiles en sus respectivos papeles, especialmente este último; cuando en el desenlace de la historia debe tomar una difícil decisión simplemente no le creemos el peso emocional que enfrenta su personaje. Sin embargo por Frank Langella vale la pena ver esta película, un gran actor en un papel misterioso, oscuro y algo siniestro... es lo único bueno de la película.
Es una lástima que Richard Kelly no haya cumplido las expectativas que se generan en un género como éste; más aún al haber rodado una cinta tan genial como "Donnie Darko", que si bien no fue un éxito de taquilla, sorprendió a varios y pasó a ocupar el sitial de película de culto para los amantes del cine fantástico. Esperemos que este director se reivindique con los seguidores del género de ciencia ficción y con aquéllos que consideramos a "Donnie Darko" como una de las películas bizarras más geniales del cine fantástico.

Vitus

Título Original: Vitus.

Año: 2006.
Dirección: Fredi M. Murer.
Reparto: Fabrizio Borsani, Teo Gheroghiu, Julika Jenkins, Urs Jucker, Bruno Ganz, Eleni Haupt, Kristina Lykowa, Tamara Scarpellini, Daniel Rohr.
País: Suiza.
Duración: 120 minutos.
Guión: Peter Luisi, Fredi M. Murer, Lukas B. Suter.

Vitus es un niño prodigio, con un elevado coeficiente intelectual y que muestra habilidades especiales, principalmente para el piano. Desde muy temprana edad sus padres han notado lo especial que es Vitus y desean forjar su futuro consiguiendo a los mejores profesores de piano e imponiendo la práctica en su hijo. Sin embargo Vitus tiene muy claro lo que quiere en su vida, y es en su abuelo donde encontrará el refugio ideal para concretar sus sueños.
Suiza hace rato que nos está demostrando que sabe hacer buen cine. Vitus es una extraordinaria muestra de lo que es hacer inolvidable una sencilla historia. Desde un principio adoramos a este pequeño niño genio, que solo busca encontrar estabilidad afectiva en un mundo donde él es diferente a los demás. Él no desea crear un conflicto con sus padres aunque no esté de acuerdo con la forma en que llevan su vida, sino que busca la manera de crear lazos con ellos pero a su propio ritmo. La relación que Vitus mantiene con su abuelo es lo más hermoso de la película, y es que Bruno Ganz, quien fuera reconocido por su papel de Hitler en "El Hundimiento", desarrolla un papel fundamental en la vida de Vitus, siendo el único que lo ve como un niño excepcional dentro de su integridad y no por su genialidad. Sin duda que este actor, junto a Fabrizio Borsani y Teo Gheroghiu (los pequeños actores que encarnan a Vitus) son lo mejor de la película; centrándose en ellos una relación de amor, respeto, complicidad y amistad fraterna. Vitus desea realizar su vida a su ritmo y lo logra de manera genial, admirándonos con sus simplicidad y su facilidad de adaptarse a un mundo que no lo ve de la manera que él quisiera ser visto. Por otro lado la película tiene un ingrediente adicional: la música. En distintas escenas el piano es el protagonista, dándole a la cinta consistencia, seriedad y precisión, recordándonos que esta es la historia de un niño extraordinario inserto en un mundo de adultos, pero que en ningún momento ha dejado de ser un niño.
Finalmente debemos señalar que no es la primera vez que el cineasta Fredi M. Murer hace de la infancia el eje central de su historia. Ya antes había rodado "Alpine Fire", una cinta que trataba de dos niños que vivían en los alpes suizos y con la cual obtuvo prestigio y reconocimiento. Ahora con Vitus no queremos más que agradecer su gran capacidad de contarnos historias simples y maravillosas que recordaremos, sin duda alguna, con gran cariño y admiración.

El Guerrero De Jade

Título Original: Jadesoturi.

Año: 2006.
Dirección: Antti-Jussi Annila.
Reparto: Tommi Eronen, Jingchu Zhang, Markku Peltola, Krista Kosonen, Elle Kull.

Países: Finlandia y China.
Duración: 103 minutos.
Guión: Antti-Jussi Annila y Petri Jokiranta.

La historia transcurre en dos lugares y dos épocas completamente distinas: la Finlandia de hoy y la China antigua. Kai, un joven herrero que acaba de ser abandonado por su novia; descubre los orígenes de sus ancestros, la búsqueda del amor y el camino de un guerrero. Con estos antecedentes podríamos esperar una película llena de aventuras, acción y romance... pero no. La historia transcurre demasiado lenta, pasando de un plano a otro entre la antiguedad y la época actual, sin lograr un hilo conductor que logre captar la atención. La fotografía impecable, la música muy bien, pero es la historia la que no logra ser atractiva. Se podría clasificar como la primera película finlandesa de Kung Fu, lo cuál resulta ya de por si bastante extraño; sin embargo su principal rareza termina siendo su gran debilidad, y es que las escenas de batallas no logran satisfacer las ganas de acción y aventura. Por otro lado es imposible identificarse con el personaje principal, no sabemos hacia dónde van sus intereses y deseos, por lo que el camino que sigue durante la historia nos parece carente de sentido y de lógica. Sin embargo, y aquí está nuestro punto a favor, siempre es bueno ver un tipo distinto de cine, y el hecho de atreverse a hacer una producción europea con aires asiáticos es algo que realmente se agradece.